Top 10: Álbuns favoritos de 2018

Final de ano, e a internet pipoca listas de melhores do ano para todos os lados, e eu, como boa fã de listas que sou (de fazer e de ler), não pude deixar de elaborar a minha de melhores álbuns do ano. Esta página é um blog, não um site especializado em música, e por isso essa lista é baseada totalmente no meu gosto pessoal. Não tem nenhum álbum de hip-hop aqui, sinto informar. Mas tem rock, pop, MPB, eletrônica, alternativa, folk… enfim, estes são os meus favoritos do ano de 2018:

10. Tranquility Base Hotel & Casino – Arctic Monkeys

O sexto álbum de estúdio da banda britânica foi um dos que mais deram o que falar (para o bem ou para o mal). Isso porque o novo trabalho dos caras trouxe uma sonoridade completamente diferente do indie rock que eles sempre fizeram. Aqui está repleto de arranjos musicais feitos no piano e contém influências de jazz. Além disso, é um disco conceitual, com um quê futurista e se passa num hotel e cassino (como bem diz o título) na lua. É daqueles “ame ou odeie”. Eu estou do lado dos que amaram. 

Destaques:” Tranquility Base Hotel & Casino”, “Four Out of Five”, “She Looks Like Fun”.

9. Francis Trouble – Albert Hammond, Jr.

O californiano Albert Hammond, Jr. lançou seu quarto álbum de estúdio, sendo este o mais pessoal de sua carreira. O título refere-se a seu irmão gêmeo, Francis, que morreu ainda no ventre de sua mãe, enquanto Albert se desenvolvia. Apesar da história pesada, que é também abordada em algumas letras, o disco é em sua maioria bem animado, cheio de riffs de guitarras e momentos que lembra muito o seu outro projeto musical, The Strokes, pelo qual é mais conhecido.

Destaques: “Far Away Truths”, “Muted Beatings”, “Harder, Harder, Harder”.

8. Isolation – Kali Uchis

Com uma mistura de ritmos, o disco de estreia da colombiana/americana Kali Uchis recebeu inúmeros elogios da crítica especializada e é sem dúvidas um dos melhores álbuns pop do ano. Pop, R&B, hip-hop, raggeaton, tudo isso está presente neste trabalho, que também contém participação de vários artista, entre eles Jorja Smith, Tyler, The Creator, e Reykon, com quem canta a única canção em espanhol do disco.

Destaques: “Flight 22”, “Your Teeth In My Neck”, “Dead To Me”.

7. Treehouse – Sofi Tukker

Após lançar vários singles e um EP, a dupla de Nova York composta por Sophie Hawley-Weld e Tucker Halpern lançou seu primeiro álbum este ano. Ele tem uma pegada tropical, é super animado, e as 10 faixas compõem um disco cheio de batidas dançantes. Cantado em inglês e português, Treehouse foi indicado à categoria de melhor álbum de música eletrônica do Grammy 2019. 

Destaques: “Energia”, “Benadryl”, “My Body Hurts”.

6. Sinto Muito – Duda Beat

A cena independente só cresce com o passar do tempo, nos apresentando excelentes artistas. Uma das grandes revelações da música brasileira deste ano foi a pernambucana Duda Beat, que com seu sotaque puxado, canta sobre paixões, dor de cotovelo, e amor próprio em músicas regadas com uma melodia pop. Sinto Muito é o trabalho de estreia da cantora, e um dos mais comentados (positivamente) de 2018. 

Destaques: “Bédi Beat”, “Bixinho”, “Bolo de Rolo”.

5. Camila – Camila Cabello

Depois de quatro anos no grupo Fifth Harmony, a cubana-americana partiu para a carreira solo de vez, e em grande estilo. Camila, que é um disco pop com influências de R&B e de música latina, foi um sucesso completo, não só de vendas, mas também de crítica. O álbum ainda foi indicado na categoria de melhor álbum pop vocal do próximo Grammy. Ah, e a cantora tem apenas vinte e um anos de idade.

Destaques: “Never Be The Same”, “She Loves Control”, “Real Friends”.

4. Precariado – Wado

No décimo álbum de estúdio de sua carreira, o catarinense radicado em Maceió traz o melhor da MPB e do samba, em um trabalho com muitas participações especiais, como Teago Oliveira, Morfina e Kassin. Com uma sensibilidade característica, e críticas sociais, as onze faixas do disco produzido de forma independente nos faz dançar, pensar, e ainda termina de uma forma otimista, com um ótimo encerramento.

Destaques: “Janelas”, “Correntes Comprimidas”, “Força”.

3. No Shame – Lily Allen

Foi com este álbum que a britânica Lily Allen deu a volta por cima, tanto musicalmente quanto pessoalmente, após um período difícil com um disco anterior mal-sucedido e vários episódios ruins em sua vida pessoal. Aqui ela colocou para fora todos o demônios, o que deu uma veracidade única para suas canções, e gerou algumas de suas músicas mais tristes e belas. Mas a obra não deixa de lado o pop que consagrou a cantora. Aqui ela conseguiu provar que ainda é sim uma artista relevante.

Destaques: “Trigger Bang”, “Family Man”, “Everything to Feel Something”.

2. >>> – Beak>

Com uma música eletrônica alternativa, o trio britânico lançou seu terceiro trabalho de estúdio, um dos mais interessantes do ano. Ao longo de dez faixas, há canções que duram pouco mais de dois minutos, enquanto a mais longa chega a mais de sete minutos. Em nenhum momento o álbum se torna cansativo ou repetitivo, somos sempre surpreendidos pela criatividade sonora, apesar de sua simplicidade. É um disco hipnotizante.

Destaques: “Brean Down”, “Harvester”, “Allé Sauvage”.

1. God’s Favorite Costumer – Father John Misty

Além de ter sido meu álbum favorito, God’s Favorite Costumer tem também a minha capa preferida do ano. Melancólico, o quarto disco da nova fase de Josh Tillman pode ser também classificado como folk, soft rock, ou pop alternativo. Father John Misty canta, com sua bela voz, sobre conflitos pessoais, depressão, e ainda faz declarações de amor, com o piano sendo o instrumento base das canções. Uma obra autobiogáfica, e da melhor qualidade.

Destaques: “Hangout at the Gallows”, “Mr. Tillman”, “God’s Favorite Costumer”.

Álbum: Anthem of the Peaceful Army – Greta Van Fleet

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Jake, Josh, Danny e Sam. Foto: Travis Shinn.

Após dois EPs, os norte-americanos finalmente lançaram seu álbum de estreia, Anthem of the Peaceful Army, no dia 19 de outubro deste ano. A banda, que ficou mais conhecida pelas insistentes comparações com o Led Zeppelin do que qualquer outra coisa, é formada por quatro jovens, com seus vinte e poucos anos, sendo eles os irmãos Josh, Jake e Sam Kizska, e Danny Wagner.

Mas de fato, a comparação com a banda clássica da década de 70 é inevitável. A sonoridade, o timbre de voz do vocalista Josh, e até o estilo visual deles é claramente influenciado. E por isso, muitos desmerecem-os, chamando-os de cópia, e alegando falta de originalidade. Independente disso, as músicas do Greta Van Fleet são sim muito boas, e merecem ser escutadas.

O disco abre com a bela “Age Of Man”, que começa tímida e depois eleva o volume, levando para um refrão quase épico. O primeiro sigle, “When The Curtain Falls”, tem uma atmosfera mais animada e divertida, com uma letra mais descompromissada. “Watching Over” é a que mais podemos ouvir o potencial vocal do cantor, ao final da canção. E uma das melhores do álbum é com certeza “Lover, Leaver”, que inclusive ganhou uma outra versão, mais comprida, na versão digital do disco.

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Durante apresentação no programa The Tonight Show Starring Jimmy Fallon.

As letras mais românticas estão em “You’re The One”, “Mountain Of The Sun” e “The New Day”, que possui trechos muito bonitos: “O amor não é ganância, é uma necessidade que não é dita/O amor não sai quando você desaparece/A dor não é vã se isso significa que seu coração está quebrado/A dor é o mesmo que um meio para curar“. Uma mensagem que está presente na maioria das músicas, é a de liberdade, verdade, paz e tolerância, não à toa o nome do álbum significa “hino do exército da paz”. Essa mensagem está ainda mais explícita na última faixa, “Anthem”, na qual ele canta versos como “Tantas pessoas pensando de maneiras diferentes, você diz/Onde está a música?/Uma melodia para libertar a alma/Uma simples letra, para nos unirmos todos, sabe“.

Não há uma música deste álbum que achei inferior, todas são dignas ou ótimas. A banda de Michigan pode não ter o som mais original, mas é talentosíssima, e uma das revelações do rock desta década. E pensa bem, se eles estão fazendo sucesso entre os mais jovens, estes provavelmente vão se interessar em escutar as bandas de rock clássico. A meu ver, eles estão fazendo um excelente trabalho.

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4/5

Festival: MADA (2018)

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Foto: Luana Tayze

O já tradicional festival de música MADA (Música Alimento Da Alma), que acontece em Natal (RN) e completou vinte anos, comemorou a data com uma festa que reuniu diversos estilos musicais, muita música nordestina, e uma atração internacional de peso. O evento ocorreu no belo Estádio das Dunas e possuía três palcos: os principais, Palco TNT e Palco Coca-Cola, que são um do lado do outro, onde as apresentações se revezavam, e o Palco Arena, que foi uma novidade deste ano.

No sexta-feira (12/10) quem abriu o Palco Coca-Cola foi a recifense Duda Beat, que fez o público chegar cedo para escutar o seu brega pop. Ela cantou músicas do seu primeiro e único álbum, “Sinto Muito”, lançado esse ano, entre elas “Bédi Beat”, “Egoísta”, e o hit “Bixinho”, além de fazer cover da banda Aviões do Forró e cantar sua versão em português de “High by the Beach”, da Lana Del Rey. A cantora uruguaia Alfonsina fez um show animado para um público que em sua maioria não conhecia a artista (era o meu caso), mas assistiam e se divertiam com a apresentação.

No Palco Arena, pude prestigiar ótimos shows das bandas Rieg, da Paraíba, e Saint Chameleon, da Áustria. De volta aos palcos principais, o grupo baiano ÀTTØØXXÁ fez todo mundo dançar com seu pagode eletrônico, tocando músicas como “Elas Gostam” e “Caixa Postal”. A apresentação de Cordel do Fogo Encantado, e da Nação Zumbi, que aconteceu logo após, foi um dos melhores momentos da noite. Além de muito manguebeat, e de mostrar o melhor da música pernambucana, esses foram também um dos momentos mais políticos, devido ao discurso dos artistas (o que eles falaram lá, e o já presente nas músicas também). Posicionamento político, inclusive, foi algo que não faltou no festival. Nos dois dias do evento, por diversas vezes, tanto o público puxou o coro de “ele não”, como a grande maioria dos artistas também deram o seu recado sobre o atual cenário político brasileiro.

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Foto: Luana Tayze

Quem encerrou a primeira noite foi a baiana e já consagrada Pitty, que trouxe o show da sua atual turnê Matriz, no qual canta antigos sucessos, entre eles “Admirável Chip Novo”, “Me Adora” e “Na Sua Estante”, e suas canções novas, “Te Conecta” e “Contramão”. Esta última, inclusive, teve a participação da natalense Emmily Barreto, que já havia se apresentado mais cedo com sua banda Far From Alaska. Uma novidade dessa nova turnê da Pitty é um set acústico que acontece no meio do show, onde ela convidou o público a voltar para o início da sua carreira, em 2003, e tocou “Teto de Vidro” e “Temporal”, que foram seguidas por uma cover de “Metamorfose Ambulante”, de Raul Seixas, e “Dançando”, música do Agridoce (projeto musical que ela tem com o guitarrista da sua banda, Martin Mendonça).

No sábado (13/10), o rapper paulistano Rincon Sapiência, atraiu um grande público para ouvir e cantar músicas como “A Coisa Tá Preta” e “Ponta de Lança (Verso Livre)”, e pareceu bem agradecido com a resposta da plateia. Também de São Paulo, os integrantes da banda Francisco, El Hombre entraram no palco completamente nus e com letras pintadas em seus corpos, formando a palavra “lute”. O MPB e a música latina presente em suas canções colocaram todo mundo para pular e dançar muito, sendo um dos mais animados da noite.

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Foto: Luana Tayze

A grande atração do festival com certeza foi a banda escocesa Franz Ferdinand, que tocou pela primeira vez na terra potiguar. Com 16 anos de carreira, o quinteto está promovendo o seu último disco “Always Ascending”, e seu já característico rock dançante tirou todo mundo do chão. Com vários hits, os melhores momentos foram duranta as músicas “Do You Want To”, “Love Illumination”, “Take Me Out” e “Ulysses”. O vocalista Alex Kapranos, muito simpático, sempre soltava um “obrigado” e interagia com plateia, dizendo que estava se sentindo muito conectado com todos. E ele provou isso quando, no meio da última canção, “This Fire”, ele pediu para todos se agacharem no chão para então pular na hora que a música explodisse. E assim o estádio o fez.

O grupo de Salvador BaianaSystem foi quem teve a honra de fechar o festival de forma digna com o seu samba-reggae. O Festival MADA foi uma ótima experiência. Com um line-up eclético e excelentes apresentações, essa foi uma grande edição de aniversário, e ele não poderia ter se encerrado de forma mais simbólica: no final do evento, quando todos estavam saindo, começou a tocar nas caixas de som “We Are The Champions”, do Queen, e as pessoas, espontaneamente, começaram a cantar junto, com mais vozes gradativamente fazendo parte do coro. Foi emocionante. A música é realmente o alimento da alma.

Álbum: No Shame – Lily Allen (2018)

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A arte é algo muito subjetivo e, na maioria das vezes, a obra é um reflexo de tudo o que o artista vive e sente. No caso do No Shame, quarto álbum de estúdio da cantora inglesa Lily Allen, é exatamente isso que acontece. A obra é repleta de letras confessionais e íntimas sobre sobre acontecimentos da vida de Allen dos últimos anos, entre eles maternidade, um disco malsucedido, divórcio, perseguição da mídia e abuso de substâncias, só para citar alguns.

Com uma sonoridade pop embalada pela voz suave da cantora, e seus ocasionais falsetes, o disco abre com “Come On Then”, onde ela fala sobre as pessoas que sempre estão arrumando um motivo para criticá-la e diz em um trecho “Sim, sou uma mãe ruim, sou uma esposa ruim. Você viu nas redes sociais.” “Trigger Bangs“, que tem participação do rapper Giggs, e foi também o primeiro single do álbum, é uma canção com uma melodia bem agradável, em que canta sobre andar com pessoas erradas e em como isso a fazia se afundar ainda mais nas drogas.

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Nunca pensei que seríamos esse casal, fugi ao primeiro sinal de problema” canta em “What You Waiting For”, música em que admite seus erros em seu antigo casamento. “Your Choice”, parceria com Burna Boy, traz uma batida reggae, gênero que está presente também em outras músicas do álbum, como “Waste”. A partir da sétima faixa, há o que considero o ponto alto da obra, uma sequência de quatro baladas extremamente verdadeiras, tristes e belas.

Em “Family Man” e “Apples”, Lily Allen coloca para fora tudo o que estava guardado sobre o relacionamento com o ex-marido. Em um trecho ela canta “eu tive que fazer isso, querido, nós dois estávamos deprimidos“. “Three” é uma linda música embalada ao piano, que ela escreveu pelo ponto de vista de seus filhos, já “Everything To Feel Something” fala sobre novamente sobre abuso de substâncias e sobre solidão. O final termina de uma forma mais otimista, com uma mensagem motivacional em “Cake”.

No Shame é um dos melhores trabalhos da cantora, assim como o mais pessoal e sincero, o que só contribuiu para o resultado final positivo. Como diz o título do disco, ela conta detalhes da sua vida sem vergonha alguma, e em uma entrevista à NME, declarou: “As pessoas têm tentado arduamente revelar os detalhes mais íntimos da minha vida sem permissão. Então, talvez esta seja eu apropriando-me da minha narrativa e apresentando-a em forma musical”. E que narrativa.

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4,5/5

Música: Sweetener – Ariana Grande

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Depois de um 2017 difícil, a estadunidense Ariana Grande lançou no dia 17 de agosto o seu quarto álbum de estúdio, chamado Sweetener. Ela explicou em algumas entrevistas o significado do título, dizendo que serve como uma mensagem para transformar uma situação ruim em algo melhor. O ataque de Manchester, que aconteceu em um show seu, é sutilmente lembrado na última faixa que tem a duração de 5:22, fazendo referência à data do acontecido.

A mensagem de positividade pode ser ouvida através do disco em músicas como “The Light Is Coming“, mais uma ótima parceria da cantora com Nicki Minaj, “Breathin”, que fala sobre continuar apesar das dificuldades, e “No Tears Left To Cry” o primeiro single e também uma das melhores canções do álbum.

Com nomes como Max Martin e Pharrell Williams na produção, o pop e o R&B continuam presentes em suas canções, mas aqui ela também trabalha com o hip-hop, que está presente em canções como “God Is A Woman“, que ganhou um videoclipe incrível; “Everytime”, que fala sobre voltar sempre para uma pessoa específica; e a faixa-título “Sweetener”.

O novo trabalho de Grande tem poucas ótimas músicas, como os três singles, o encerramento embalado ao piano “Get Well Soon”, e a já citada “Breathin”; outras que são esquecíveis (“R.E.M.” e “Borderline”, parceria com a rapper Missy Elliott) e até chatas, como “Blazed”, que tem participação de Pharrell, e “Succesful”. Letras sem graça e melodias que simplesmente não empolgam ou causam nenhum tipo de sentimento é o que mais tem aqui. Talvez o fato de ela também está cantando de uma forma mais contida na maioria do disco, sem mostrar tanto o potencial da sua voz (que é incrível) também tenha influenciado no resultado final, que não me agradou muito. Escute só as músicas boas citadas e deixe as outras para lá.

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Top 5: Discos de rock dos anos 2000 (internacional)

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Arctic Monkeys

O gênero do rock durante a década de 2000 foi marcado pelo indie e pelo emocore. Nessa época também surgiram bandas incríveis fazendo um som contagiante, como Arctic Monkeys, Franz Ferdinand, e The Strokes (essa última chegou a receber slogan de “salvação do rock”). Enquanto outros grupos já consagrados lançaram um dos melhores trabalhos da carreira, como é o caso do Green Day e do Radiohead. Pensando nisso, listei abaixo os meus cinco discos (internacionais) de rock favoritos lançados entre os anos 2000 e 2009.

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5. You Could Have It So Much Better – Franz Ferdinand

O segundo álbum de estúdio dos britânicos Franz Ferdinand, de 2005, é um rock com batidas dançantes e riffs marcantes. Lançado pouco mais de um ano depois do bem-sucedido disco de estreia deles, You Could Have It So Much Better é ainda melhor que o primeiro. Curiosamente, este é o trabalho que o vocalista Alex Kapranos menos gosta – leia aqui a entrevista -. Não que ele o odeie, é claro. Além do grande hit “Do You Want To“, o álbum também contém as ótimas “The Fallen“, “You’re The Reason I’m Leaving”, e a faixa-título.

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4. A Rush of Blood to the Head – Coldplay

Mais um segundo álbum de uma banda britânica. O Coldplay lançou em 2002 o A Rush of Blood to the Head, um disco com uma atmosfera mais intimista, onde o piano e a guitarra são predominantes nas canções. Com sucessos como “Clocks” e “In My Place“, a obra trouxe três Grammys para o grupo. É o melhor trabalho da banda, na época em que ainda podíamos dizer que o Coldplay era uma banda de rock. Outras músicas que se destacam são “God Put A Smile Upon Your Face”, “The Scientist“, e “Amsterdam”.

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3. The Black Parade – My Chemical Romance

O grande representante do emo, movimento que foi muito forte na década passada, é a banda americana My Chemical Romance. The Black Parade, o terceiro álbum de estúdio, foi lançado em 2006 e é uma ópera-rock sobre um personagem, chamado de “O Paciente”, que está à beira da morte. O disco mescla canções mais energéticas com outras mais sombias, sempre com riffs de guitarra raivosos. As minhas favoritas são “Dead!“, “Welcome To The Black Parade“, “Mama” e “Teenagers“.

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2. Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not – Arctic Monkeys

A banda inglesa Arctic Monkeys já tinha uma certa popularidade na internet e entre o público indie, mas só em 2006, quando lançou seu disco de estreia Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, foi que estourou no mundo. Com um som cheio de guitarras, batidas dançantes, e letras sobre a juventude no interior da Inglaterra, o álbum foi o pontapé inicial responsável por colocar a banda como uma das mais influentes do rock atualmente. As minhas músicas favoritas são “Fake Tales Of San Francisco“, “Dancing Shoes”, Mardy Bum”, e “When The Sun Goes Down“.

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1. American Idiot – Green Day

Depois de um disco de recepção morna e de outro que teve todas as suas gravações roubadas, o trio punk californiano resolveu gravar uma ópera-rock sobre um anti-herói adolescente de classe média baixa, e todo o cenário político e social dos Estados Unidos. Lançado em 2004, é definitivamente o álbum mais politizado da banda, no qual faz críticas à Guerra do Iraque e ao então presidente George W. Bush. American Idiot tem dois Grammys e rendeu até um musical na Broadway. Destaco aqui a faixa-título, “Jesus of Suburbia“, “Holiday“, e “Whatsername”.

 

Música: High As Hope – Florence + The Machine

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O quarto álbum de estúdio da banda inglesa Florence + The Machine, lançado em 29 de junho, mantém o clima quase religioso característico da banda mas de uma forma mais intimista. A vocalista Florence Welch, com sua voz marcante, canta canções sobre mágoas, traumas e inspirações, com o piano, o baixo e a bateria como instrumentos predominantes na maioria das músicas.

A faixa de abertura “June” fala sobre o uso de entorpecentes. Em um verso, ela canta “Eu ouço seu coração batendo em seu peito, o mundo diminui até que não sobra nada“. Este disco, inclusive, foi o primeiro em que a cantora gravou totalmente sóbria, o que reflete nas suas letras mais pessoais. “Me tornei mais vulnerável e fui um passo adiante da metáfora. Isso criou uma criatividade corajosa. Eu pensei, ‘Está tudo bem se eu me mostrar’.”, disse ela em uma entrevista ao The New York Times.

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Outro assunto difícil abordado é o distúrbio alimentar que Florence enfrentou na adolescência, relatado na faixa “Hunger“. A sua adolescência é revivida novamente, dessa vez de uma perspectiva mais otimista, na nostálgica “South London Forever”. Em seguida vem a ótima “Big God“, que ganhou um videoclipe belíssimo; e a melancólica “Sky Full Of Song“, o primeiro single promovido.

Em “Grace” ela pede perdão a sua irmã pelo comportamento dela no passado, quando ela estava alcoolizada. “Me desculpe, eu arruinei seu aniversário que você completou 18 anos, e o sol apareceu, e eu estava me comportando de maneira estranha“, canta. “Patricia”, uma das minhas favoritas do disco, é uma homenagem a Patti Smith, a quem ela admira muito. A atmosfera religiosa está bem presente em “100 Years”, e já na emocionante “The End Of Love” ela fala sobre uma tragédia ocorrida em sua família, o suicídio da sua avó. A bela balada “No Choir” encerra o álbum.

High As Hope, apesar de ter temas tão pesados, não é uma obra triste, mas sim esperançosa. É como se aqui Florence tivesse exorcizado seus demônios e ficado em paz consigo mesma. Fica aqui meus parabéns à essa banda que tem, até agora, uma ótima discografia, onde todos os trabalhos são acima da média. Que continuem assim.

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